Quem Foi Johann Sebastian Bach?

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Toccata and Fugue (Johann Sebastian Bach) by Jaan Pattersonr Orchestra
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The Concert -WFMU – Air on the G String BMV 1068 arranged for flute solo (Johann Sebastian Bach by Gardner Chamber Orchestra
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Johann Sebastian Bach, o grande compositor da era barroca, tem sido reverenciado ao longo dos séculos pela complexidade musical e pelas criações estilísticas de sua obra.

Johann Sebastian Bach tinha uma linhagem musical de prestígio e ocupou vários cargos como organista no início do século XVIII. Ele construiu composições de sucesso, tais como a “Toccata e Fuga em D menor“. Suas composições mais conhecidas incluem a “Missa em B menor“, os “Concertos de Brandenburgo” e o “Clavier bem temperado“. Bach morreu em Leipzig, Alemanha, em 28 de julho de 1750 e é considerado um dos maiores compositores ocidentais de todos os tempos.

Infância de Johann Sebastian Bach

Sebastian Bach nasceu em Eisenach, Turíngia, Alemanha, em 21 de março de 1685. Ele veio de uma família de músicos que remontou várias gerações. Seu pai, Johann Ambrosius, foi músico municipal em Eisenach e acredita-se que o tenha ensinado o violino ao jovem Johann Sebastian.

Aos sete anos de idade, Bach entrou na escola, onde recebeu instrução religiosa e estudou latim e outras matérias. Sua fé luterana influenciou suas obras musicais posteriores. Aos 10 anos de idade, Bach ficou órfão após a morte de seus pais. Seu irmão mais velho, Johann Christoph, organista do santuário de Ohrdruf, o acolheu. Johann Christoph deu a seu irmão mais novo mais algumas aulas de música e o matriculou em uma escola local. Bach ficou com a família de seu irmão até a idade de 15 anos.

Bach tinha uma bela voz de soprano, o que lhe permitiu obter um lugar em uma escola em Lüneburg. Logo após sua chegada, sua voz mudou e Bach mudou para o violino e o cravo. Um organista local, George Böhm, deu a Bach o toque de um gigante. Em 1703, ele conseguiu seu primeiro emprego como músico na corte do Duke Johann Ernst em Weimar. Lá ele era um músico versátil, atuando como violinista e às vezes substituindo o organista oficial.

 Início de carreira

Bach tinha uma reputação crescente como um grande executor, e foi sua grande habilidade técnica que lhe valeu o cargo de organista na Nova Igreja em Arnstadt. Ele foi responsável pela melodia dos serviços e eventos especiais da igreja, assim como pelo ensino da melodia. Bach, um adolescente de espírito livre e às vezes arrogante, não se dava bem com seus alunos e era repreendido pelos burocratas do santuário por não ensaiar com freqüência suficiente.

 A situação de Bach não melhorou quando ele desapareceu durante vários meses em 1705. Embora a igreja lhe tivesse concedido oficialmente apenas algumas semanas de licença, ele foi a Lübeck para ouvir o famoso organista Dietrich Buxtehude e prolongou sua estadia sem informar ninguém em Arnstadt.

Em 1707 Bach teve o prazer de deixar Arnstadt para se tornar organista no santuário St. Blaise em Mühlhausen. No entanto, este movimento não correu tão bem quanto ele havia planejado. O estilo musical de Bach colidiu com o do padre do santuário. Bach fazia arranjos complicados e gostava de entrelaçar diferentes linhas melódicas. Seu predecessor pensou que o ritmo da canção deveria ser simples. Uma das obras de maior sucesso de Bach hoje é a cantata “Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit“, também conhecida como “Actus Tragicus“.

Trabalhar para a realeza

Após um ano em Mühlhausen, Bach foi nomeada organista na corte do Duque Wilhelm Ernst em Weimar. Enquanto trabalhava para o duque, ele escreveu numerosas cantatas para a congregação e várias de suas próprias composições superiores para órgão. Durante sua estada em Weimar, Bach escreveu a “Toccata and Fugue in D minor“, uma de suas obras de órgão mais famosas. Ele também compôs a cantata “Herz und Mund und Tat“, ou “Coração, Boca e Ação”. Uma parte desta cantata, chamada “Jesu, Joy of Man’s Desiring” em inglês, é particularmente famosa.

Em 1717, Bach aceitou um cargo com o Príncipe Leopoldo de Anhalt-Cöthen. Entretanto, o Duke Wilhelm Ernst não quis deixar Bach sair, e até mesmo o aprisionou por várias semanas depois de tentar sair. No início de dezembro, Bach foi liberada e autorizada a ir para Cöthen. O príncipe Leopold era um amante apaixonado do canto. Ele tocava violino e freqüentemente comprava partituras quando viajava ao exterior.

Durante sua estadia em Cöthen, Bach dedicou grande parte de seu tempo ao canto instrumental e compôs concertos para orquestra, suítes de dança e sonatas para várias obras de arte. Ele também escreveu peças para instrumentos solo, incluindo algumas de suas maiores obras para violino. Suas composições seculares continuam a refletir seu profundo compromisso com a fé, pois Bach inscreveu sistematicamente suas partituras com as iniciais I.N.J. do latim In Nomine Jesu, ou “em nome de Jesus“.

Em homenagem ao Duque de Brandenburg, Bach concebeu uma série de concertos para orquestra em 1721, que ficou conhecida como os Concertos de Brandenburg. Estes concertos ainda são considerados uma das maiores obras de Bach. No mesmo ano, o príncipe Leopold se casou e sua nova noiva o desencorajou de perseguir a música. Bach completou o primeiro livro do bem-humorado Clavier em nossos dias. Com seus alunos em mente, ele compilou esta coleção de peças de teclado para ajudá-los a aprender certas técnicas e procedimentos. Depois que o príncipe dissolveu sua orquestra em 1723, Bach foi forçado a procurar trabalho.

Trabalho Posterior Em Leipzig

Após uma audição para um novo cargo em Leipzig, Bach assinou um contrato e tornou-se o novo organista e professor da Igreja de São Tomás. Como parte de seu cargo, ele também teve que ensinar na Escola Thomas. Como novas melodias eram necessárias a cada semana para os cultos da igreja, Bach se atirou para escrever cantatas. Por exemplo, o “Oratório de Natal” é uma seqüência de seis cantigas que refletem o feriado.

Bach também criou interpretações musicais da Bíblia na forma de coros, árias e recitativos. Estas obras são chamadas de “Paixões”, a mais famosa das quais é a Paixão de São Mateus. Esta obra musical, escrita em 1727 ou 1729, relata os 26º e 27º capítulos do Evangelho de Mateus. O trabalho foi realizado como parte do serviço da Sexta-feira Santa.

Um de seus trabalhos devocionais posteriores é a missa em B menor. Em 1733 ele compôs suas partes, conhecidas como Kyrie e Gloria, que foram apresentadas ao Eleitor da Saxônia. Bach não completou esta estrutura, uma versão musicalizada da missa clássica latina, até 1749. O trabalho completo não foi realizado durante sua vida.

Nos últimos anos

Bach era deficiente visual em 1740, mas continuou a trabalhar apesar de sua visão fraca. Ele estava até mesmo bem o suficiente para viajar e atuar, e em 1747 ele visitou o monarca prussiano Frederico o Grande. Ele se apresentou para o monarca e compôs uma peça inteiramente nova no local. Em Leipzig, Bach aperfeiçoou o trabalho e deu a Frederick um grupo de fugitivos chamado “Oferta Musical”.

Em 1749 Bach começou a escrever uma obra inteiramente nova intitulada “A Arte da Fuga”, mas não a completou. No ano seguinte, ele tentou corrigir sua pobre visão com uma operação, mas isso o roubou da visão. No mesmo ano, Bach sofreu um derrame cerebral,  morreu em 28 de julho de 1750 em Leipzig.

Ao longo de sua carreira, Bach foi mais freqüentemente conhecido como organista do que como compositor. Apenas alguns de seus trabalhos foram publicados durante sua vida. No entanto, as composições musicais de Bach foram admiradas por aqueles que seguiram seus passos, como Amadeus Mozart e Ludwig van Beethoven. Sua fama cresceu consideravelmente em 1829, quando o compositor alemão Felix Mendelssohn reperformou a Paixão de São Mateus de Bach.

Bach foi um mestre em evocar e sustentar diferentes emoções. Ele também era um hábil contador de histórias, muitas vezes usando canções para sugerir atividades ou eventos. As obras de Bach foram inspiradas por uma variedade de estilos musicais de toda a Europa, incluindo o francês e o italiano. Ele usou contraponto, o desempenho de várias melodias ao mesmo tempo, e fuga, a repetição de uma peça com pequenas variações, para criar composições ricas em detalhes. Ele é considerado o maior compositor da era barroca e uma das figuras mais importantes da música melódica tradicional.

Vida pessoal

Pouca correspondência pessoal sobreviveu para dar uma imagem completa de Bach, o homem. Os arquivos, no entanto, lançam alguma luz sobre seu caráter. Bach se dedicou à sua família. Em 1706 ele se casou com sua prima Maria Barbara Bach. O casal tinha sete filhos juntos, alguns dos quais morreram na infância. Maria morreu em 1720, enquanto Bach viajava com o príncipe Leopoldo. No ano seguinte, Bach casou-se com a cantora Anna Magdalena Wulken. Nasceram treze crianças, mais da metade das quais morreram na infância.

Notavelmente, Bach compartilhou seu amor por cantar com seus filhos. O primeiro casamento de Wilhelm Friedemann Bach e Carl Philipp Emanuel Bach produziu compositores e músicos. Johann Christoph Friedrich Bach e Johann Christian Bach, os filhos do segundo casamento de Bach, também tiveram sucessos musicais.

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Som de Cascata para Relaxar e dormir | Aprender Música

Quem foi Antonio Vivaldi?

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The Concert – Antonio Vivaldi: Concerto for Orchestra in C Major FXI No25 by Gardner Chamber Orchestra
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Antonio Vivaldi foi um dos mais importantes compositores italianos da música clássica. Ele escreveu muitas obras, incluindo sonatas, concertos e óperas. Ele ainda hoje é conhecido de um grande público e suas obras ainda são gravadas e apresentadas em concertos.

Antonio Lucio Vivaldi (1678-1741) foi um compositor e músico italiano. A mais famosa de suas composições é o concerto ‘Four Seasons’ para violino e orquestra.

Ele não era apenas um compositor de ópera líder, mas também um maestro, designer de palco e empresário. Vivaldi pertence à galeria dos Mestres da música do mundial.

Nasceu em 4 de março de 1678 em Veneza, Itália. Ele era filho de Giovanni Battista Vivaldi, que era músico por formação, e de Camilla Calicchio.

A Infância E A Juventude De Antonio Vivaldi

Vivaldi aprendeu a tocar violino quando criança com seu pai, um violinista da Capela de São Marcos em Veneza. Aos 10 anos, ele já era um excelente violinista e podia substituir seu pai na orquestra da Basílica de São Marcos.

Em 1693, aos 15 anos de idade, Vivaldi entrou num convento e foi chamado de “Il Prete Rosso”. (padre ruivo) por causa de seus longos cabelos ruivos.

Em março de 1703, aos 25 anos de idade, foi ordenado sacerdote. Em agosto do mesmo ano, Vivaldi tornou-se professor de violino e viola no “Seminario Musicale dell’Ospedale della Pietà”.

O orfanato, que abrigava meninos abandonados, era conhecido por seu conservatório musical, que incluía um coro de cantores que viviam na instituição como internos.

Juntando-se à Ospedale, Vivaldi trouxe consigo, além de sua inventividade, o desejo de renovar a forma de concerto, que era uma forma popular de música na Itália no século XVII.

O concerto consistiu em um diálogo musical entre orquestra e concertino (o violonista da orquestra toma o lugar direto do primeiro violino).

Vivaldi transformou o concerto grosso em um concerto para solista e orquestra e mudou os movimentos, dando vida ao concerto e quebrando a monotonia de seus antecessores.

A Popularidade De Vivaldi

Incapaz de realizar a missa devido a uma doença crônica, provavelmente asma, Vivaldi compôs a maioria de suas obras para o conjunto musical da organização.

Antonio Vivaldi consolidou assim sua fama como compositor e maestro de coros e orquestras, e acabou sendo nomeado diretor de um orfanato.

A partir de 1713, o maestro do Ospedale deixou seu posto e Vivaldi foi encarregado de escrever melodias vocais sagradas. O compositor escreveu mais de trinta cantatas, oito motets e um Stabat Mater.

No mesmo ano, sua primeira ópera Ottone em Villa foi encenada em Veneza. A popularidade do Vivaldi se espalhou não apenas na Itália, mas também na França, Holanda, Alemanha e Inglaterra.

Novos centros musicais publicaram suas obras mais modernas, que foram executadas com sucesso em teatros e salões.

O canto instrumental barroco tardio deve muito de seus meios especiais à Vivaldi.

Em fevereiro de 1728 Vivaldi apresentou as Quatro Estações em Paris.

As 4 Estações é um ciclo de 4 concertos para violino e orquestra, no qual o músico explica a primavera, o verão, o outono e o inverno.

Empurrando seus instrumentos, especialmente o violino, até o limite, Vivaldi consegue neste trabalho imitar perfeitamente o canto dos pássaros, a tempestade e o palpitar dos cavalos.

Em 1729, ele deixou de publicar suas obras ao perceber que era mais lucrativo para ele vender seus manuscritos a clientes particulares. No seu retorno a Veneza, ele entregou obras instrumentais em toda a Europa.

Apresentação Final

Em 21 de março de 1740, ele deu sua última apresentação na Pietà em homenagem ao príncipe polonês Frederick Christian.

No mesmo ano, Vivaldi deixou Veneza e seu nome foi esquecido. Dois séculos mais tarde, ele emergiu do anonimato e tornou-se objeto de análise e pesquisa.

Junto com outros compositores, Antonio Vivaldi passou a fazer parte da galeria dos professores de canto do mundo.

Antonio Lucio Vivaldi morreu em 28 de julho de 1741 em Viena, Áustria. Seus concertos forneceram um modelo formal para muitos compositores barrocos tardios, incluindo Bach, que transcreveu 10 deles para piano.

Antonio Vivaldi compôs 454 concertos, 23 sinfonias, 75 sonatas e quase quarenta operetas.

Principais Obras

• Credo in unum Deum, do Credo em mi menor (RV 591) para coro e orquestra
• Allegro – Adagio e spiccato – Allegro, do Concerto para dois violinos em ré menor, Op. 3 No. 11
• Allegro do concerto para violino Primavera, das Quatro Estações
• Presto do concerto para violino Verão, das Quatro Estações
• Allegro do concerto para violino Inverno, das Quatro Estações
• Allegro do concerto para violino Outono, das Quatro Estações
• Allegro do moteto para soprano e orquestra
• Nerone Fatto Cesare (1715)
• L’Arsilda Regina di Ponto (1716)
• La Constanza Trionfante dell’Amore (1716)
• As Quatro Estações (1728)
• Orlando Finto Pazzo e Montezuma (1733)
• Griselda (1735)
• Sabat Master
• Mandolin Concerto
• Magnificat
• La Stravaganza
• Il Giustino
• Juditha Triumphans
• Nisi Dominus

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Antonio Vivaldi

A história da Música

A narrativa da música é bastante antiga, porque desde o início os humanos criaram diferentes formas de consonância.

Assim nos lembra que a melodia é uma forma de arte que funciona com harmonia entre som, ritmo, música e voz.

Todos estes recursos são relevantes e podem nos transportar para outro tempo e espaço, preservar memórias e reavivar emoções.

Traçaremos como esta linguagem artística tem sido transportada através dos séculos até os dias de hoje para alcançar as qualidades que ela tem hoje no Ocidente.

Música na pré-história

Uma pintura rupestre encontrada na Espanha retrata pessoas dançando, indicando a existência de mais do que apenas uma música.

A humanidade interage amplamente com a música, e é uma das formas mais antigas de expressão cultural.

Já nos tempos pré-históricos, há mais de 50.000 anos, o homem começou a desenvolver uma atividade sólida baseada na observação de fenômenos naturais.

O som das ondas quebrando na costa, trovões, comunicação entre animais, o som do vento balançando as árvores, o bater do coração – tudo isso encorajou as pessoas a explorar os sons produzidos por seus próprios corpos. Por exemplo, os sons de nossas palmas, o bater de nossos pés no chão, nossas vozes, etc.

Na época, essas experiências não eram consideradas arte no sentido estrito e estavam associadas à comunicação, rituais sagrados e dança.

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Conheça o Cravo instrumento musical de teclas

O cravo é um instrumento de teclado de forma semelhante ao antigo piano, mas consistindo de uma ou duas teclas. Difere do piano, pois o som é produzido por saltadores ou martinetes que relam na corda para produzir o som.

O cravo é um instrumento de teclado e cordas pinçadas, para cada tecla tocada as cordas são beliscadas por uma pinça, nos primórdios feitas de pena ou couro, agora são feitas de pvc ou plástico.

O cravo pode ter uma ou até três fileiras de teclas.

A História do Cravo

Os primeiros registros datam do século XIV na Itália, onde foi chamado pela primeira vez de clavicembalum. Depois do órgão, é considerado o instrumento de teclado mais importante e versátil do final do século 16 e início do século 19. No continente europeu, foi amplamente utilizada para música de câmara, melodias de orquestra e ópera, assim como para peças de teclado solo.

 Além da Itália, o local de nascimento deste instrumento era feito em Flandres, Alemanha, Portugal, Inglaterra e França. O cravo caiu em desuso no início do século XIX, e seu renascimento veio no início do século XX, quando uma famosa empresa de piano criou um instrumento industrial.

No Rio de Janeiro, Brasil, há registros de importação de cravos já em 1721. O arquivo mostra um “enorme cravo para tocar ….. 19000 mil réis”, e por volta de 1830 o Jornal do Commercio estava noticiando sobre a comercialização do cravo carioca.

No mundo musical no Rio de Janeiro, o cravo era de fato amplamente utilizado por profissionais e amadores: em 1792, o viajante inglês Sir George Staughton, em visita ao Rio, observou que em algumas das habitações as mulheres estavam “se divertindo à noite com seus instrumentos, especialmente o cravo e a viola. Gostam de tocar instrumentos à noite, especialmente o cravo e a viola.

Após a chegada de D. João VI ao Rio de Janeiro em 1808, o cravo também passou a ser utilizado nos salões da corte. O pintor Enrique Bernardelli (1858-1936) pintou uma cena na qual “D. João VI escuta o Padre José Maurício”, na qual o padre, o músico local de maior sucesso, toca o cravo para o monarca.

No século XIX, anúncios de cravos apareceram no jornal ‘The Stream of Water’: em 1819, a ‘Gazeta do Rio de Janeiro’ relatou: “O cravo é o mais belo de todos os instrumentos musicais”. Na casa de leilão da “Rua da Alfândega N. 14”, um cravo de Mathias Bochum está à venda. Este instrumento pertenceu a um dos mais importantes arquitetos portugueses da época, sugerindo que estes artefatos eram importados principalmente de Portugal.

Portugal tinha certas tradições e características únicas na fabricação desses importantes instrumentos musicais.

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